Pau Candi

Mi último videoclip...

2012-02-17T11:54:00.000-08:00

The Foreign Exchange

2012-01-04T14:55:00.000-08:00

El Cambio nos favorece

Antes las bandas se formaban en los pubs, los colegios, en los ensayos de garaje de alguna casa entre amigos del barrio. Las cosas cambian, y el cambio nos favorece.

Con internet se han derribado muchos límites, entre ellos la distancia. Así, el rapper y cantante estadounidense Phonte Coleman conoció al productor holandés Nicolay. Chateando en okayplayer.com intercambiaron música, grabaciones, remixes. Poco tiempo después formaron el grupo, sin nunca haberse conocido personalmente. Por eso el nombre: The Foreing Exchange (Algo así como La Moneda Extranjera)

Conectados a la red todo el día, Nicolay y Phonte, fueron creando juntos su álbum debut, lanzado por el sello BBE Records en 2004 y llamado “Connected”, claro. Un disco de puro Hip Hop, más cercano al rapero de Carolina del Norte, ex Little Brother, Phonte Coleman, que a la sutileza del productor holandés de Nicolay & Kay. Pero esos porcentajes de influencias fueron cambiando, y Nicolay y sus cinematográficas bases fueron creando climas cada vez más notorios, a través de los posteriores discos.

En 2008, con “Leave It All Behind”, el rap va dejando lugar al más fino R&B, y Phonte demuestra que además de rapear, canta y muy bien. En 2010, con “Authenticity”, ese fino R&B se profundiza en un Soul delicado, de una calidad admirable, superlativa.

Este año, decidieron dejar todo atrás, y celebrar esa conexión tan autentica con el disco “Dear Friends: An Evening With The Foreign Exchange”. Un trabajo acústico e intimista, hecho entre amigos, que para esta ocasión tomaron aviones, caminaron pasillos de aeropuertos, miraron la ciudad del otro como propia mientras se trasladaban en taxis hasta ese abrazo en el estudio de grabación, no sin alguna duda, porque en las fotos todos nos vemos diferentes.

Es un disco donde reproducen algunas de sus mejores canciones, en especial las del álbum anterior, “Authenticity”, que es de sus discos el más suave y armonioso, ideal para grabarlo en vivo. Se destaca el tema “Laughing At Your Plans” que cuenta con la colaboración de Sy Smith y Jeanne Jolly.

La música de Phonte y Nicolay se puede escuchar toda junta, armando un playlist con cada uno de los temas de sus cuatro maravillosos discos, discos que llegaron a mí gracias a otro de los muros que internet derribó, el acceso a la música.

Porque aún con la polémica de los derechos de autor, gracias a internet uno tiene acceso a discos que antes ni siquiera llegaban a las disquerías locales, perdiéndose así una infinita cantidad de excelentes propuestas, solo por no ser enteramente comerciales. También cambió definitivamente la manera en que los músicos ganan su dinero. Las bandas han tenido que volver a tocar, hacer shows, giras, dándole nueva vida a festivales, visitando lejanos países, como el nuestro. Así se han vuelto a unir bandas disueltas hace muchos años, y sus músicos, gordos y viejos, han vuelto a reproducir en el escenario aquellos temas que nos marcaron. Así, las nuevas bandas como The Foreign Exchange, creadas con las nuevas reglas de juego dictadas por internet, llegan, en vivo o en MP3, para que puedas disfrutarlas.

Como bien dijo en un capitulo de los Simpson aquel personaje gay que salvó a Homero de la furia de unos renos, “internet es un milagro”. Los cambios que produce tienden a perjudicar en algunamedida ciertos intereses comerciales de particulares u empresas, pero en compensación beneficia enormemente a la gran mayoría.

Pablo Candi.

8, de noviembre, 2011.

(Para The Good News)

Arboricidio

2011-11-08T20:05:00.000-08:00

La incomprensible guerra de Córdoba contra sus árboles.

Los números que nos muestra la FUNAM (Fundación para la defensa del ambiente) sobre la tala indiscriminada de árboles en la provincia de Córdoba, evidencia que en las últimas décadas hemos arrasado con más del 90% del bosque nativo original. El descontrolado desmonte para el avance de las plantaciones de soja, los incontenibles incendios forestales a pesar del impuesto al fuego, y una profunda ignorancia con respecto al valor que el bosque y sus árboles tiene para la calidad de vida de los seres humanos nos han llevado un punto sin retorno. Actualmente, y como afirma el biólogo Raúl Montenegro, “en Córdoba no se puede sacar un solo árbol más”. Sin embargo la tala continúa, la Ley de Bosques provincial no contribuye con este verdadero desastre ambiental.

La ciudad de Córdoba es un reflejo de esta realidad y nos puede servir como síntesis para entender las verdaderas causas de este despropósito.

¿Qué se enseña?

Resulta emblemático que en las escuelas se mande a talar árboles. Sin embargo la Municipalidad recibió pedidos de extracción de árboles por parte de escuelas provinciales.

El motivo, en el caso del Primera Junta, fue que las raíces superficiales de algunos árboles levantaban baldosas de la vereda causando, aparentemente, algunos tropiezos. Desde EspaciosVerdes, el inspector de la zona, Daniel Wuerich, autorizó la extracción de 12 árboles, fresnos de entre 25 y 30 años, y de 5 a 8 metros de altura, en perfecto estado, en brotación, con nidos en sus copas. Los vecinos indignados, señalaban que si la “excusa” eran las veredas rotas, por que no se arreglaban, mostrando que estaban rotas en diferentes lugares y no por acción de los árboles. El ingeniero agrónomo de la empresa Ecotecno, Pablo Martinez, admitió ante los vecinos y padres, que podía solucionarse el problema podando las raíces superficiales, ensanchando las cazuelas y arreglando las veredas, pero que a él le pagaban por extraer los árboles. A pesar de la polémica el 29 de agosto (día del árbol) los ingenieros agrónomos Pozo y Papa, del Ministerio de Educación, decidieron continuar y se extrajeron en total 5 árboles. En el caso de la escuela Emilio Olmos, la tala de una tipa de más de 40 años y la poda severísima (dejando solo el tronco y algunas ramas principales) de otras tres, fue autorizada por la Municipalidad a pedido de la directora que temía que pudiesen caer, aunque no hubiera ningún antecedente de esto.

Las Autoridades ¿qué autorizan?

A pesar de que la Municipalidad cuenta con aproximadamente 10.000 empleados, en la sección de Agronomía de Espacios Verdes, de la Dirección de Parques y Paseos, hay 6 inspectores para los 480 barrios de la ciudad, y solo 3 de ellos operativos, ya que los otros no cuentan con movilidad. Además no pueden comunicarse con la central, desde que salen (8hs.) hasta que regresan (14hs.) En definitiva, la municipalidad tiene un frágil criterio de protección y una inexistente tarea de mantenimiento y control del arbolado urbano. La secretaria de Ambiente de la Provincia, que cuenta con una policía ambiental, no se mete en la jurisdicción de ningún municipio y además no consigue controlar los incendios y permite la deforestación.

Participación Ciudadana

Reforestar sirve, pero no para cambiar un árbol añejo, que hoy da sombra y oxígeno, por un arbolito raquítico que lo hará, con mucho esfuerzo y cuidados, dentro de 30 años.

Todos somos responsables, debemos exigirles a nuestras autoridades que cumplan con las ordenanzas pero también involucrarnos en la educación para cambiar conceptos atrasados y erróneos.

Es imperiosamente necesario generar la conciencia, de ver al árbol como nuestro mayor aliado, no como una molestia, un peligro ó un estorbo.

Si no queremos tener una ciudad de puro cemento y una provincia desértica, tenemos que cambiar esta manera perjudicial de relacionarnos con la naturaleza. Porque además el bosque nativo es el principal productor de agua, recurso que en nuestra provincia es de una escasez alarmante.

Solo la participación ciudadana puede garantizar un futuro mejor, saludable y armonioso para todos.

Podría parecer obvio pero evidentemente hace falta repetirlo: CUIDAR NUESTROS ÁRBOLES ES CUIDARNOS A NOSOTROS MISMOS.

Pablo Candi.

23 de septiembre, 2011.

Aloe Blacc

2011-07-21T18:03:00.000-07:00

Las Propiedades del Soul

El Soul es uno de los principales géneros musicales que engloban la llamada Black Music, ésa que tuvo origen en las comunidades afroamericanas de los Estados Unidos a principios del siglo pasado.

Los exponentes más reconocidos del Soul son los legendarios Stevie Wonder, Marvin Gaye, Sam Cooke, Ray Charles, Otis Redding, Wilson Pickett, Aretha Franklin y James Brown, entre muchos otros. Pero luego de esa generación dorada, el Soul se reformuló, renació unido a otros géneros más nuevos, como el R&B o el Hip Hop, aunque nunca perdió su “Alma”. A este nuevo Soul lo llaman Neo-Soul, los especialistas, pero es Soul, legendario Soul, inspirado en sus orígenes, sin perder su esencia.

Aloe Blacc es uno de esos nuevos exponentes del Soul, que honran las raíces del género, aún sumándole condimentos de otros ritmos.

Aloe Blacc es el nombre artístico de Egbert Nathaniel Dawkins III, nacido en Los Ángeles en 1979. Sus comienzos en la música lo tuvieron como MC de Emanon, una agrupación de Hip Hop underground. Luego se abriría camino solo, editando en 2006 su primer disco: “Shine Through” para el sello Stones Throw Records.

El resultado es un gran disco, intenso, variado, que contiene canciones bien soul, algunos temas más R&B, otros bien Hip Hop. También sorprenden algunas canciones con ritmos latinos y cantadas en castellano, en homenaje a sus orígenes, ya que sus padres son panameños, como la curiosa versión del clásico de John Legend: “Ordinary People”.

Sin embargo fue su segundo álbum, “Good Thins”, lanzado en 2010, el que le daría reconocimiento mundial. El tema “I Need a Dollar” se transformaría en un hit al ser elegido como la canción introductoria de la serie “How to Make It in America”, de HBO.

“Necesito un dólar, un dólar es lo que necesito” repite el estribillo de ese tema, y continúa: “Yo tenía un trabajo pero el jefe me echó, lo siento no voy a necesitar su ayuda no… Por favor jefe, necesito este trabajo más de lo que cree. Pero él me dio mi último cheque y me dejó en la calle”. Así retrata Aloe esta nueva realidad estadounidense de crisis, que contrasta con la que suelen mostrar los artistas Pop. Sus letras hablan sobre la pobreza, el desempleo, las fábricas abandonadas, los “sin techo”, pero también de cierta mujer, y del amor, como no podía ser de otra manera en un artista Soul. “Good things” es un disco menos amplio que el anterior, más purista, más cercano a los grandes del soul, lleno de reminiscencias sonoras de otras décadas, pero intimista, profundo y nostálgico.

El videoclip del tema “Femme Fatale”, de inagotable blanco y negro, resume gran parte de la intención estética de éste artista. El estilo “vintage” de su vestimenta “sugiere la rica historia de la música negra y honra a los grandes músicos y cantantes que han allanado el camino para que yo sea un artista de Soul hoy”, admite en un reportaje.

Mientras cada vez más artistas negros eligen unirse a la fría industria musical en productos repetitivos y vacíos, Aloe Blacc representa la tibieza de volver al camino que hizo grande a la música negra, la calidez del respeto a las raíces, el calor del “Alma”.

Pau Candi.

Para The Good News.

Junio 2011.

Rollins Band - Liar (Vj Pau Candi Remix)

2010-08-20T20:39:00.000-07:00

Sol Pereyra - Te Fuiste (videoclip)

2010-06-24T17:17:00.000-07:00

Jazz Argentino

2010-03-30T21:41:00.001-07:00

Adrián Iaies

El Jazz fue el género musical más influyente de los últimos cien años y aún representa la máxima libertad interpretativa dentro de la música. En la figura del Gato Barbieri nuestro país tuvo a su músico más destacado y en los últimos años el pianista Adrián Iaies está ocupando ese lugar. Tuve la oportunidad de entrevistarlo cuando vino a presentar su proyecto “Tango Reflections”, una interesante propuesta que fusionaba jazz y tango, además del lanzamiento de un sello exclusivamente dedicado al jazz local, llamado SJazz y ligado a EMI.

Hoy, sentado en el hall del Hotel, y un tanto inquieto por el inminente comienzo del concierto, Adrián Iaies, mirada al techo, trata de recordar.

PC: Cuando te entrevisté la última vez, allá por el 2004, tenía algún temor de que tus actividades de producción y el sello Sjazz te quitasen tiempo para tocar, no fue así, sacaste muy buenos discos ¿Cómo se hace para hacer todo?

AI: No, no es todo. Lo que pasa es que en general, los músicos suelen tener algunas inquietudes adicionales a hacer música, tocar, componer… en muchos casos te encontrás con músicos que tienen su propio estudio, les gusta producir… yo dedico un tiempo a la producción pero a la producción artística, que es algo que me interesa, ya sea con lo que vos comentás de Sjazz, que fue un lindo proyecto, o como fue dirigir. Yo soy el director artístico del Festival de Jazz de la Ciudad de Buenos Aires, tengo mi propio sello (20 Misas)... no creo que las horas que dedicás a una cosa se las quites a otra, creo que vas compatibilizando cosas.

Sus dos últimos discos no fueron presentados en Córdoba, entonces le pedí una síntesis sobre esos trabajos.

AI: Uno, Dos, Tres, es una caja triple, que yo saqué hace dos años. Se llama así porque hay un primer disco que es solo piano, un segundo disco con dúos y un tercer disco que son tríos. Hay mucha música mía, el origen de la caja es una música que yo escribí en homenaje a John Lewis, el que fue pianista del Modern Jazz Quartet, que es una gran influencia para mí. Y en el disco participan músicos con los cuales yo no había grabado antes. Esa es la característica, tocar con músicos con los que no hubiese grabado. En cambio este disco (“Esa sonrisa es un santo remedio”) es el disco del trío, el trío con el que venimos tocando hace dos años juntos, lo grabamos después de… más de cien conciertos, entre lo que hicimos en el país y en el exterior. En ese sentido es un disco bien diferente al anterior, de todos modos en los dos lo que hay es como un formato, una idea de canción… temas cortos, donde lo melódico es fundamental, yo siempre parto de eso, de una melodía.

Los grandes músicos no vienen solos, hay que traerlos, y el esfuerzo de producción se lo agradecemos a Santiago Moyano, que organizó la fecha en el Teatro del Libertador San Martín, al que Adrián se encargó de halagar en medio del concierto: “Es un orgullo tocar acá, en este lugar increíble, y con éste piano. Mañana sé que me voy a molestar mucho cuando vuelva a tener que tocar con “cualquier mueble”, después de haber tocado con esta maravilla”…

Adrián Iaies, pianista y compositor, volvía a Córdoba después de más de cuatro años, y la excusa es presentar su último disco, grabado junto a Pepi Taveira en batería y Ezequiel Dutil en contrabajo. “Esa sonrisa es un santo remedio” incluye 11 temas, con composiciones originales y versiones de clásicos variados, como “Just the way you are” de Billy Joel, “Loca Bohemia” de Francisco de Caro, y una sorprendente versión en solo piano de “Cuando ya me empiece a quedar solo”, el clásico de Charly García de su época con Sui Generis. Un producto musical que mira más hacia adentro del país, hacia lo profundo de nuestras raíces musicales, que a la siempre fuerte influencia musical del jazz norteamericano o europeo.

Éste, como los demás trabajos de Iaies y de muchos otros músicos de jazz, me llevan a preguntarle: Desde la fusión ¿Se puede hablar de Jazz Nacional, de Jazz Argentino?

AI: Pero no es a través de la fusión, es jazz, o sea, te encontrás con músicos de jazz que aplican algunos elementos locales a su música. Es eso, como sucede en todos lados del mundo. Cuando vos escuchas un músico italiano de jazz también aparecen elementos que son propios, por decirlo de algún modo, del folklore italiano ¿No? Lo mismo te pasa con los músicos africanos… Hoy el jazz es parte de la mejor globalización de nuestra cultura. Entonces yo no hablaría de fusión, yo creo que hay un jazz argentino porque hay un montón de músicos tocando jazz y componiendo su propia música. Sí, sí, hay un jazz argentino.

Este destacadísimo músico, nominado varias veces a los premios Grammy y reconocido por respetadas publicaciones internacionales como Down Beat, Jazzman o Jazz Magazine, ha compartido escenario con legendarios músicos como Brad Mehldau, Bebo Valdés, Dino Saluzzi, Lee Konitz, Ron Carter, entre muchos otros y como director artístico del Festival Internacional de Jazz de la Ciudad de Buenos Aires, es el encargado de seleccionar las figuras que llegarán al país en este marco.

PC: El año pasado tuvimos la suerte de que vinieran a Córdoba muchos de los músicos que llegaron a Buenos Aires en el Festival de Jazz…

AI: La idea es de que este año pueda pasar lo mismo, estamos trabajando junto con Córdoba con esa idea, que mucho de lo que se haga en el festival en Buenos Aires pueda venir a Córdoba.

PC: ¿Y va a seguir manteniendo ese nivel excelente que tuvo el año pasado?

AI: Sí, bueno es la idea, tratamos… es en la misma época y todo… y ya estamos teniendo charlas con la gente de acá de Cultura de Córdoba para que algunos de los artistas que toquen acá vayan allá inclusive.

Sonríe, se disculpa por irse rápidamente y escoltado por sus compañeros de trío sube a la van que los traslada hasta el Teatro.

Luego brinda un espectáculo brillante, dedicado, admirable, para un público agradecido pero escaso, que muy rara vez guarda relación en cantidad con la calidad de lo ofrecido, aunque esto forma parte de un evidente deterioro del nivel cultural del país en los últimos 20 años, y que será motivo de otros análisis. Ahora es preferible quedarse con el cristalino sonido del piano de Adrián Iaies y su promesa de un futuro lleno de jazz, de Jazz Internacional y de Jazz Argentino.

Pablo Candi.

Marzo 2010.

Para The Good News.

Layo & Bushwacka

2010-03-30T21:29:00.000-07:00

Resistencia Electrónica

Hasta hace poco la música electrónica dominaba las pistas de las principales discos de la ciudad, pero la moda pasó, cambió y hoy la música que impera es otra, aquí y en todo el mundo. Sin embargo la electrónica resiste y todavía algunos clubs apuestan a figuras relevantes de la escena internacional, como los ingleses Layo & Bushwacka.

En el hall del hotel, el dúo inglés que se hiciera famoso como residente del mítico club The End, de Londres, tiene una apariencia sobria, elegante y discreta. Después de disculparse por no podernos dar la nota en ese momento, correctos pero sin intentar una sola palabra en castellano, prometen atendernos más tarde en el club y así lo hacen. Con un aspecto muy diferente, Layo Pashkin y Matthew "Bushwacka" Benjamin, más a gusto con el “pum pum” de fondo, las luces, y la gente colmando la pista, acercan sus oídos a la boca de la intérprete que traduce al inglés mis preguntas.

Pau Candi: ¿En el mundo la electrónica retrocedió un poco con respecto a otros géneros o es sólo acá?

Layo: Esto es una realidad en el mundo, está pasando el efecto. Cuando existe una fuerte crisis económica todo se ve afectado por ella, hace un efecto de Big Bang y también afecta a los clubs (escena electrónica)

Creo que la música electrónica siempre se está moviendo y tiene períodos en que la ola es muy fuerte y otros períodos, que como la marea, baja un poco. Pero siempre parece volver, parece tener esa habilidad, va y viene, y sigue.

Pau Candi: ¿Cómo ven la escena electrónica acá?

Bushwacka: Hemos estado ya en Argentina, en Buenos Aires, otras dos veces y ésta es nuestra tercera vez por aquí. De mis experiencias pasadas en este país puedo decir que nos hemos sentido muy bien. En argentina es increíble, la energía es muy positiva, disfrutamos mucho, la gente es realmente enérgica y entusiasta y nos damos cuenta que efectivamente aprecian la música. Siempre pasamos muy buenos momentos en Argentina, ojala esta noche aquí en Córdoba pase lo mismo. Es un gran placer tocar aquí, es saludable, así lo sentimos como Djs.

Pau Candi: ¿Cómo se sienten ustedes al salir a escena?

Layo: Es como todo en la vida, depende, existe un diálogo con la gente, si la gente siente quedarse nosotros sentimos quedarnos y juntos tenemos un largo andar. Cuando la gente está como expectante de que seamos nosotros los que les hagamos pasar un buen momento, el trabajo es más duro, se vuelve un poco más complicado porque hay que trabajarlo, tenemos que movilizarlos.

Pau Candi: ¿Qué planean para el futuro y cómo ven la escena en general? ¿Qué se viene?

Bushwacka: Grabamos mucho en estudio este año, estamos haciendo mucha música, no un álbum pero sí realizando y disfrutando mucho, viajando mucho, realmente es entretenido, hemos estado en lugares muy interesantes, algunos en los que ya estuvimos, otros en los que nunca habíamos estado. Es un año realmente muy positivo, tenemos por delante la temporada de verano, estamos creando mucho en estudio, ambos estamos disfrutando como Djs.

Después demoran bastante su ingreso y al fin suben a la cabina, no los dos juntos, sino uno a la vez. Lo que tocan es muy diferente a lo que podemos escuchar en sus discos Night Works (2002), All Night Long (2004) o Feels Closer (2006), lejos de aquellos sonidos Breakbeat o Downtempo, la noche se llena de House, simple, constante y repetitivo House, que sin emocionar mantiene a la gente bailando hasta las 5 de la mañana, en la que todo termina abruptamente, por estrictísima norma municipal, para desazón del público y sorpresa de los Djs británicos, que luego de resignarse, le sacan fotos a la gente para llevarse de recuerdo.

Intérprete y traducción: Verónica del Boca.

Pablo Candi

Marzo 2010.

Para The Good News.

2010-02-19T19:40:00.000-08:00

Blockhead

Rap Sin Rappers

El maestro del beat underground Anthony Simon, más conocido como Blockhead, salió a la luz a mediados de los 90’s como productor del MC Aesop Rock, quien logró notoriedad dentro de la escena indie rap durante los años 2000, junto a otros rappers no comerciales como Little Brother, Sixtoo y Zion I.

Las bases que Blockhead produjo para los LPs de Aesop fueron el factor fundamental para el éxito del MC indie, especialmente las de su definitivo debut “Labor Days” (2001). Años después, el productor de Nueva York, obtuvo su propia fama como artista de rap instrumental, convirtiendo sus ritmos sampledelic en melodías completas en sí mismas, con tonalidades Trip Hop.

El multicultural barrio de Manhattan vio crecer al joven Simon, junto a sus seis hermanos. La mentalidad bohemia de su padre, un rústico escultor, y la firmeza de su madre, una estructurada trabajadora social, le dieron a Simon una educación desentonada pero siempre abierta y complaciente con sus actividades musicales. Él aspiraba a ser un MC pero en 1994, mientras cursaba estudios en la Universidad de Boston, conoció a Aesop Rock y entonces cedió el micrófono concentrándose en la producción. Blockhead aportó la mayoría de las bases rítmicas de Aesop, incluyendo “Music for Earthworms” (1997) y Appleseed (1999), así como su buen álbum debut “Float”, publicado por Mush Records en 2000.

En 2001, Mush lanza el primer trabajo solo de Blockhead, “Broken Beats”. Este álbum contiene 12 pistas que no superan los dos minutos cada una. Son bases de un evidente Hip Hop que invitan a rapear encima. Toda una tentación para cualquier MC avezado en Freestyle. Pero las bases secuenciadas son algo monótonas y la ausencia del MC es suplida por samplers de instrumentos en una especie de “solo”. En algunos temas incluye ciertos tramos melódicos notoriamente influidos por el Jazz, anticipando sus próximas producciones.

Blockhead profundizó su trabajo que evolucionó notablemente luego de su incorporación al sello independiente británico Ninja Tune. Esta discográfica con sede en Londres fue fundada en 1991 por Jonathan More y Matt Black, dúo de DJs conocido como Coldcut. La selección de artistas que componen su catálogo se caracteriza por la originalidad, la calidad, y la combinación de géneros como el Jazz, el Funk y el Hip Hop y la electrónica. Entre sus filas se destacan Djs productores como el británico Bonobo, Kid Koala, Dj Food, el ruso Dj Vadim o los polacos de Skalpel. Ninja Tune también reúne una selección cuidadosa de artistas de un Hip Hop under pero refinado, con gran preocupación por las bases, donde se destacan los Roots Manuva, Sixtoo, Spank Rock o The Poets of Rhythm.

De la mano de este particular sello Blockhead lanzó su primer EP “Insomniac Olympics” en 2003, presentando un sonido más cinematográfico, cercano al downtempo. Al año siguiente surge el insuperable “Music by Cavelight”. Un disco plagado de ambientaciones, bases rítmicas melódicas con samplers exquisitos que logran transportarnos a sensaciones diferentes. El disco entero parece haber sido creado para alguna película y se acerca a las producciones de artistas como Dj Shadow o The Cinematic Orchestra, otros precursores a la hora de hacer Hip Hop instrumental.

Luego del genial “Music by Cavelight”, Tony Simon saca algunos trabajos experimentales con otros sellos, como “Trial of Tears” (2004), o “Humming Bird” (2008), volviendo al sello Ninja Tune con el reciente “The Music Scene” (2010), una obra maestra que completa todo lo propuesto en discos anteriores sumándoles la participación de algunas de las figuras más representativas del Hip Hop independiente como Slug (Atmosphere), Murs, Mike Ladd, Cage y por supuesto su viejo amigo Aesop Rock. Un disco cargado de emoción y nostalgia, suave sin perder la potencia.

Así Anthony Simon, Blockhead, produce el más fino Hip Hop sin veleidades de estrella, expresando todo el vigor y la urgencia del rap sin la histeria y el egocentrismo de la mayoría de los rappers.

Pablo Candi

Febrero 19, dos mil diez.

The Good News

Como Trompada

2010-01-15T21:11:00.001-08:00

La búsqueda de contundencia no es eterna, es contemporánea a las facilidades de cierta evolución del sistema de vida occidental. Cuando nuestro día a día comenzó a tornarse predecible, aburrido, sin sorpresas. Allí nació la búsqueda de la contundencia, o la búsqueda de eso que llamamos: "Algo que me vuele la cabeza", sea esto música, cine o cualquier otra droga. Pero ¿Qué pasa cuando uno no encuentra la tal de contundencia, cuando a uno nada le vuela la cabeza? Pues, o se resigna a vivir sin sobresaltos, sin emoción, se rinde, solo permanece, transcurre... ó genera, crea aquello que le vuele la cabeza, aquello que le entre como trompada. Entonces... Podemos hacer una banda mezcla Rage Against The Machine con Bestie Boys y letras como las de Keny Arkana... ó podemos hacer un corto terrible, que parezca que termina pero que siga, que tenga otras dos partes, hasta una cuarta. Empezamos haciendo la primera parte, que esté bien actuada, bien dirigida, cuidada en los detalles, que sea realista. Paf! que te pegue como zopapo, que te quedés así como abofeteado, despertés, que te impulse a hacer otras cosas similares, que sirva de inspiración y también de punto de partida. Que a raíz de ese primer laburo se abran posibilidades, de conseguir financiamiento para los próximos, de unir a otros como uno, y así recorrer ese camino infinito, ese que parece como escrito, pero sinembargo uno va haciendo con cada paso. Bueno... en eso estoy!

2010-01-06T20:02:00.001-08:00

2010-01-02T18:20:00.001-08:00

Sol Pereyra - Te Fuiste (En vivo)

2010-01-01T19:51:00.001-08:00

2009-10-30T22:26:00.001-07:00

Aretha Franklin

Una Mujer con Alma

Los nombres de los géneros musicales muchas veces tienen un significado intraducible, desdibujado, poco claro. El Soul tal vez sea el género con el mejor nombre, el más significativo. La música Soul es la música del alma, o al menos es lo que pretende y mientras Aretha Franklin fue la “Lady Soul” lo consiguió.

Aretha nació en la mítica ciudad de Memphis, al sur de los Estados Unidos. Desde niña estuvo rodeada de personas relacionadas a la música. Su madre, cantante de Gospel, abandonó tempranamente la familia y murió poco después. Su padre, un predicador, no consiguió limitar a su joven hija, que tuvo su primer hijo a los 15 años de edad y se negó a estudiar piano, pero lo aprendió a tocar sola.

La primera parte de la obra de esta genial artista estuvo marcada por las fuertes influencias del Gospel y de cantantes como Ella Fitzgerald o Dina Washington, provenientes del Jazz. Esa influencia sería más marcada aún cuando ingresa al sello Columbia, en 1964, que la agrega a su catálogo de artistas Jazz, aunque su música fuera esencialmente Soul con reminiscencias Gospel.

Cuando cambia de discográfica y pasa al sello Atlantic, desarrolla su etapa más Soul, con grabaciones memorables como “I Never Loved A Man The Way I Love You”, una de las más grandes canciones de la Música Negra de todos los tiempos, y su épica versión del clásico de Otis Redding, “Respect”.

Justamente es ésta época dorada del Soul que el sello Rhino Records, especialista en digitalizar viejas grabaciones perdidas, rescata y lanza al mercado en un disco titulado: “Rare & Unreleased Recordings from The Golden Reign of The Queen of Soul”. Una colección de demos, outtakes y Lados B, de la era más prolífica de Aretha Franklin en el sello Atlantic, que comenzara en 1966 y se extendería por más de diez años. Una década plagada de éxitos y canciones atemporales, versiones de otros grandes de la Black Music como Ray Charles, Sam Cooke o Curtis Mayfield o composiciones propias, de notable influencia en las próximas generaciones de músicos.

Ferviente luchadora por los derechos civiles de los negros, de vida personal conflictiva y apasionada, en su música dejó su inmortal legado: Su Alma, su Soul.

Pablo Candi

Para The Good News

Octubre, 30. 2009.

El Ritmo Perfecto

2009-10-09T18:58:00.000-07:00

Rio de Janeiro es la capital cultural de Brasil, allí van todos los músicos del país buscando el éxito, el reconocimiento, la trascendencia. Pero nada es fácil en una de las ciudades más bellas y peligrosas del mundo. El camino de Marcelo D2 no es diferente al de tantos otros famosos compositores y artistas del país hermano. Se hizo de abajo, era un laburante, vendedor callejero (camelô), hasta que con su amigo Skunk (luego fallecido por una sobredosis) funda Planet Hemp, una banda hardcore que mezclaba algunos ritmos de música popular brasilera y Hip Hop. Fue arrestado por apología de la droga por sus canciones a favor de la legalización de la marihuana y esto impulsó su carrera.
El álbum "Usuário" de 1995 vendió más de 300 mil copias y el segundo, "Os Cães Ladram mas a Caravana não Pára" del ‘97, superó las 50 mil unidades.

Lanza su carrera solista con el disco “Eu Tiro é Onda” en 1998 y en sus canciones cuenta prácticamente su vida, sus valores, sus sueños, su lucha. El álbum fue grabado en su estudio y mezclado en Nueva York y Los Angeles por Carlos Bass y Mario Caldato Jr. (Productor de Beastie Boys)

En 2003 lanza “A procura da Batida Perfeita” (algo así como en búsqueda del ritmo perfecto) en una clara referencia al “Looking for the Perfect Beat” de los Afrika Bambaataa, pioneros del Hip Hop estadounidense.

GN: Marcelo, la búsqueda del ritmo perfecto acabó ¿No? ¡Vos lo encontraste, la mezcla de Rap con Samba!

MD2: No, lo que importa no es el ritmo perfecto, lo que importa es la búsqueda.

GN: La búsqueda siempre, constante.

MD2: La procura siempre, eso.

La cultura del Hip Hop hizo un curioso camino en Brasil, cuando llegó, desde Estados Unidos, comenzó de nuevo. Los raperos brasileros tomaron los orígenes del Hip Hop norteamericano y comenzaron de cero. Tal vez por se despegó más rápido de las influencias de los artistas extranjeros y pronto inició la fusión con los ritmos propios, originarios de uno de los países de más basta cultura musical del mundo.

GN: Yo veo un cambio en el Hip Hop brasilero muy interesante, desde los comienzos hasta ahora. Creo que ahora, contigo y otros, han conseguido tomar mucho más de la música popular brasilera.

MD2: Creo que el Rap… la cultura Hip Hop me enseñó una libertad muy grande. Es una cultura, una música universal, pero al mismo tiempo es regional. Lo que yo estoy intentando hacer, es tener un rap brasilero pero que hable para el mundo entero, un rap que sea de Brasil pero suene en todo el mundo.

GN: Algo así está pasando con el graffiti por ejemplo, el graffiti comenzó pareciéndose al de los Estados Unidos, pero ahora con Os Gemeos y otros similares, tiene una identidad propia. Ahora existe un Graffiti de Brasil, como un Hip Hop de Brasil.

MD2: Yo creo que dentro de la cultura Hip Hop, el Rap, el Dj, el MC, el B Boy y el Grafitero, creo que el graffiti es el que más ha evolucionado en esto, los tipos… Gemeos, Speto, Flip, no sé, tanta gente… tanta gente buena, está escribiendo la historia, literalmente escribiendo, la historia de una pintura que va a quedar mucho más adelante, allá adelante esto va a tener una influencia muy grande.

Marcelo D2 desde sus inicios con Planet Hemp (Hemp=Marihuana) basó muchas de sus letras en la temática de la marihuana, la separación de esta droga “suave” del resto de las drogas prohibidas y la lucha por su legalización. Fue preso y varias veces citado judicialmente pero como él mismo dice en una de sus canciones más famosas: “continuo fumando tudo até a ultima ponta”.
Alguien le acerca un cigarro de marihuana y en medio de la entrevista da una pitada y aclara:

MD2: Po, dijeron que ahora está legalizada, ¿No?

GN: Sí, está, eso te iba a preguntar. Desde tus comienzos con Planet Hemp, en tu lucha estaba aquello de legalizar la marihuana, ahora está muy cerca eso aquí, por lo menos para uso personal, claro. ¿Cómo está Brasil en esta cuestión y como es la relación con la música, los músicos?

MD2: Bueno, en Brasil no hay esa, te agarran fumando marihuana: ¡Paliza! La Policía es demasiado violenta… no sé, creo que Brasil está muy lejos, pero creo que Argentina dio un paso muy grande para que America Latina comience a parar un poco con esta hipocresía…

Durante años lo único que nos llegaba musicalmente del país hermano eran los grandes genios de la Bosanova como Joao Gilberto o Tom Jobim y los míticos Caetano Veloso, Gilberto Gil o Gal Costa, baluartes de la MPB (Música Popular Brasilera) Pero el universo musical del país vecino es vastísimo y para el gran público desconocido. Algo similar, tal vez aún peor, sucede del otro lado de la frontera.

GN: En Argentina no se conoce mucha música brasilera, en Brasil no se conoce mucha música argentina. ¿Va a cambiar eso? ¿Ustedes los músicos están impulsando eso, de venir, de hacer, de no cerrarse al resto de Latinoamérica?

MD2: Yo tenía una deuda conmigo mismo, porque yo fui a Europa, a Asia, América del Norte, y toqué muy poco en América del Sur. Eso me molestaba mucho, estoy muy feliz, muy feliz de estar aquí, en Argentina, tocando para todo el mundo, estoy tan feliz que perdí la voz…

Sonríe pero está molesto, su voz ronca lo preocupa, tiene agendados shows en Buenos Aires y Chile. De todos modos saluda muy cordial y se zambulle en el denso humo de los camarines, el resto de la banda está exultante. Acaban de tocar en Córdoba y la respuesta del público fue asombrosa. Nosotros nos quedamos con la sensación de que ese es el camino, mezclar los ritmos más globalizados, más universales, como el Hip Hop por ejemplo, con las músicas originales de cada lugar. Pero acá es difícil, como me dijo un amigo brasilero una vez: “¡Vocês nao tem negros, nao sabem o que é ver uma morena danzando samba!”, es cierto, no sabemos. Y tal vez ese ejemplo sea una perfecta síntesis simplificada de porque los ritmos de origen negro en nuestro país no alcanzan los niveles de popularidad que logran en el resto del planeta.

Pablo Candi
Para The Good News.
Octubre 01, 2009.

Entrevista a Marcelo D2 (para Infrarrojo)

2009-09-30T17:32:00.000-07:00

2009-04-30T18:59:00.000-07:00

Rock and Roll is Black

Los Orígenes Negros del Rock

El Rock and Roll no nació con Elvis Presley. Mucho antes del 5 de julio de 1954, fecha oficial del surgimiento del género, músicos como Fats Domino o Bob Diddley ya tocaban este tipo de música, pero en las radios lo llamaban Rhythm & Blues o Boogie-Woogie.
En los años 50 el racismo en los Estados Unidos era solo comparable con el del apartheid sudafricano. A los afroamericanos no se les permitía acceder a los medios masivos de comunicación y las posibilidades de grabar y divulgar su música eran muy limitadas.
Esa exclusión social y cultural lleva a los afroamericanos a crear sus propios medios de expresión, su propio lenguaje. Es justamente de ese lenguaje de donde surge el término “Rock and Roll”, con el que los negros hacían alusión picaresca al acto sexual. Aunque la expresión ya era usada antiguamente para referirse a un movimiento de los botes o barcos, es en el Gospel dónde se comienza a usar la palabra “Rocking” para referirse al ritmo poderoso con que acompañaban ciertas experiencias religiosas.
En 1951, el discjockey Alan Freed arma una programación musical enteramente negra para su audiencia blanca en una radio de Cleveland, Ohio. Freed comienza a llamar "Rock and Roll" al Rhythm and Blues que hacía sonar en su radio. El término comenzó a popularizarse y el ritmo más acelerado de los blues de Wynonie Harris y Roy Brown comenzaron a tener gran número de seguidores entre el público blanco. Pero este público no podía tener a negros como sus ídolos musicales por lo que la industria discográfica fomenta a músicos blancos como Bill Haley y Elvis Presley y difunde sus grabaciones por radio y por la naciente televisión.
Así fue como el Rock and Roll fue “robado” a sus creadores originales, los afroamericanos, que habían creado ya tantísimos otros géneros como el Gospel, el Blues, el Soul, el Jazz, el R&B, etc.
Y aunque en el desarrollo del Rock and Roll los aportes de músicos negros de la talla de Ike Turner, Little Richard y Chuck Berry fueron determinantes, el género pasó gradualmente a manos de los blancos, de las decisiones de una industria discográfica que crecía y se hacía cada vez más poderosa.
Hoy, lejos de los orígenes del género, al hablar de Rock, los nombres que primero nos vienen a la mente son los de Elvis, los Beatles, los Who, Led Zeppelin, Rolling Stones… y tal vez, entre medio de sus pálidas caras, la oscura, irreverente y genial imagen de Jimi Hendrix.
En los 90’s hubo algunas bandas que revindicaron los orígenes del Rock así como Jimi Hendrix lo hizo en los 60’s. Living Colour fue un claro exponente de ello pero también lo fueron bandas como los potentes Fishbone, o los duros Body Count.
En la actualidad las históricas bandas de Rock and Roll se repiten sistemáticamente y las nuevas no presentan mayores innovaciones. El género sufre un estancamiento creativo que lo ha llevado a caer notablemente en las preferencias del público masivo.
El Hip Hop, un género que nació y se mantiene negro, ha tomado la fuerza que el Rock perdió. Para comprobarlo basta ver los primeros lugares de los principales charts de música del mundo y notar las influencias culturales de los elementos que lo componen, como el graffiti por ejemplo.
Así, después de casi un siglo de postergaciones, los negros han ocupado el lugar que les corresponde en la historia de la música contemporánea, el primer lugar.

Pablo Candi
Para The Good News
Abril de 2009.

2009-03-25T16:17:00.000-07:00

Amores Negros

La segregación racial en los Estados Unidos ha generado el aislamiento físico y cultural de los afroamericanos. En las principales ciudades norteamericanas existen barrios enteros solo habitados por negros, barrios a los que ellos mismos han llamado “Guetos”. Ese aislamiento ha generado una notable idiosincrasia que, a pesar de lo vasto del territorio, posee características en común en prácticamente todos los negros estadounidenses. La vestimenta, los modismos del lenguaje, la forma de tratarse y la cultura, la música.
Los negros son apasionados, posesivos, machistas, dramáticos y conservadores en sus relaciones personales. Desde los orígenes mismos de sus primeras expresiones musicales le han cantado al amor, a la desilusión, a la traición, a la esperanza.
El Rhythm and Blues es el género musical dentro de la Black Music con mayor romanticismo. Nace a fines de los 40’s influenciado por el Jazz, el Gospel y el Blues. Porque ésta es otra característica resultante del aislacionismo, los ritmos de la Música Negra se han alimentado de sí mismos, unos de otros, a través de las décadas, y es por eso que todos tienen cosas en común. En la música blanca uno encuentra diferencias insalvables entre la llamada Música Clásica y el Rock and Roll, por ejemplo. En la música negra no hay diferencias fundamentales entre los diversos géneros que la componen.
El Rhythm and Blues, o R&B, fue el término musical que encontró Jerry Wexler de la revista Billboard, en 1949, para sustituir al hasta entonces llamado "race records" (grabaciones de raza), evidentemente ofensivo. Se usaba para identificar el género musical que más tarde se desarrollaría en forma de Rock and Roll. El R&B original era tocado con guitarra, bajo y batería, y otro instrumento que sirviera para marcar la melodía como el saxo, la armónica o la trompeta o el piano, que luego fue suplantado por el órgano Hammond, muy característico en las primeras grabaciones de éste nuevo género.
El R&B en sus comienzos era un género musical agitado, dinámico y danzante, las diferencias con el Rock and Roll o el Rockabilly muchas veces eran solo de nombre. De hecho las primeras grabaciones del Rock and Roll son canciones de R&B de Ike Turner, y el primer gran éxito de Jerry Lee Lewis es una versión de un tema de R&B.
Pero el Rhythm and Blues fue transformándose con el tiempo y destacándose por sus melodías suaves y sostenidas, sus fraseos y su tono melancólico. Alejándose del Rock and Roll y acercándose a sus raíces de Jazz y Blues.

En la década de los 50 el R&B se popularizó de la mano de artistas como Fats Domino, Anita Baker, Clarence "Frogman" Henry, The Neville Brothers y The Platters.
Con el nacimiento del Hip Hop a mediados de los 70’s, el R&B se aleja del Jazz y se acerca a este nuevo género. Aparecen los estribillos rapeados y las primeras cajas de ritmo, como la famosa Roland TR-808. En esta nueva etapa se caracterizan artistas como James Brown, Sly & The Family Stone, Prince y comienza a aparecer la figura de Michael Jackson, quien a lo largo de su carrera enriquecería mucho al género y la Música Negra en su conjunto, dándole el máximo de popularidad.
Desde los 90’s hasta la actualidad el R&B ha tenido una nueva transformación manteniendo la influencia del Hip Hop pero acercándose a su vez notablemente al Pop. Alcanza de esta manera el mayor éxito, si es que el éxito se mide por cantidad de discos vendidos. Si bien esta proximidad al Pop le ha sumado adeptos y le ha restado un poco de calidad, las bases del género se mantienen y sus actuales figuras como Alicia Keys, John Legend, Anthony Hamilton, Mary J. Blige, Craig David, Angie Stone, Erykah Badu, entre muchos otros mantienen, entre hits de características más Pop, la esencia melódica y romántica del R&B. Esa esencia es parte fundamental de la idiosincrasia del afroamericano, que ama así, rabiosa y apasionadamente y le canta a ese amor con la mejor voz y el mejor ritmo que el corazón humano pueda ofrecer.

Pablo Candi, para The Good News. 18 de febrero de 2009.

Algunas Canciones Indispensables del R&B:

Clásicos:

Otis Redding – (Sittin’ On) The Dock of The Bay.

Ray Charles - What'd I Say.

James Brown - I Got You (I Feel Good).

Aretha Franklin - Respect.

Marvin Gaye – What’s Going On.

Michael Jackson – Billie Jean.

Últimos Hits:

Erykah Badu – Honey.

Robin Thicke – Magic.

Beyonce – If I Where a Boy.

Ashanti - The Way That I Love You.

Jamie Foxx – Blame It.

2009-03-11T16:07:00.001-07:00

2009-02-18T13:47:00.000-08:00

¿Puede?

2009-02-05T18:07:00.000-08:00

¿Puede un tema de Hip Hop, con su base repetitiva y su rapeo monocorde poseer cierta nostalgia digna de un tango del Chueco Piazzolla o un interpretación de Bach por Pau Casals?

¿Puede acompañar tu viaje en colectivo, pegar tu cabeza sobre el vidrio de la ventanilla, acomodar cada recuerdo de ella y mezclar esas imágenes con las de afuera para que te parezca verla en cada esquina?

¿Puede un negro musulmán de Brooklyn y un árabe, rimar en sus ininteligibles idiomas y hacerte sentir el peso de sus voces y sus palabras que caen sobre vos como la lluvia cae sobre un techo de chapa y las gotas se arrastran hasta la calle, se juntan en los pequeños ríos de los bordes de la calle, te hacen perder el sentido del tiempo y el espacio, milagrosamente?

Vos decime:

http://www.goear.com/listen.php?v=2838b71

Led 'Fuckin Best Rock and Roll Band' Zeppelin - American Zeitgeist (Dj Pau Candi Remix) Part 1

2008-12-30T19:26:00.000-08:00

Led Zeppelin (Dj Pau Candi Remix) - Zeitgeist (Part 1)

Al Ritmo de Barack Obama

2008-12-03T15:21:00.000-08:00

Por Pablo Candi

Que un afroamericano, un negro, pudiese llegar a la presidencia de los Estados Unidos parecía un hecho insólito, reservado tan solo a la ficción de películas o series de televisión. Que después de derrocado y asesinado el dictador iraquí Sadam Hussein, transformado en el Enemigo Nº 1 en la farsa de la invasión de Estados Unidos a Irak ¿Quien podría haber vaticinado que el próximo presidente estadounidense se llamaría Hussein?
Pues bien, Barack Hussein Obama es el 44ª presidente de los Estados Unidos y el primero que representa a una minoría racial en un país de pesada historia racista y segregacionista.
De descendencia africana directa (Kenia) y nombre de origen musulmán, el nuevo presidente norteamericano llegó al poder prometiendo cambios: “We Need Change”.
Es cierto que en el país más poderoso del mundo la democracia es un mero formalismo, ya que está compuesta por solo dos partidos políticos, uno de derecha (Republicano) y otro de derecha moderada (Demócrata) y en la formación del nuevo gabinete queda comprobado que al menos en política internacional no habrá mayores sorpresas.
La sorpresa la dio la comunidad artística norteamericana otorgándole al candidato demócrata un apoyo masivo e incondicional en el camino que lo llevó al gobierno.
Russell Simmons, considerado el padre del Hip Hop, declaró que “la elección de Barack Obama, una clara voz progresista, es el reflejo de las políticas Hip Hop y el legado de la floreciente nueva consciencia americana”.
Will.I.Am, de Black Eyes Peas, se puso a la cabeza de la campaña con el exitoso video “Yes we can” (Sí, podemos), uno de los más vistos en internet y que la famosa presentadora de T.V. Oprah Winfrey consideró como la clave en la campaña electoral del ahora Presidente electo.
Pero Obama fue apoyado por agrupaciones tan disímiles en sus propuestas como en sus posturas políticas, desde los históricos y combativos Public Enemy hasta las superficiales aunque muy sexys Pussycat Dolls, pasando por 50 Cent, Beyoncé, Mariah Carey, Jay-Z, Ludacris, Janet Jackson, John Legend, Jack Johnson, Mary J. Blige, Puff Daddy, Alicia Keys. Outkast, Common, Lenny Kravitz, o Kanye West. Muchos de ellos hicieron shows a beneficio de la campaña, prestaron su imagen o donaron canciones para el disco “Yes, We Can”.
Pero además muchos de los símbolos vivos de la música negra como Stevie Wonder o Herbie Hancock apoyaron abiertamente al demócrata. También se sumaron los músicos latinos como Jennifer Lopez, Don Omar, Paulina Rubio, Alejandro Sanz, y los músicos blancos de diversos géneros desde los veteranos del rock como Bruce Springsteen, Neil Young o Roger Waters de Pink Floyd hasta los recientes Fall Out Boy, Death Cab For Cutie o Scarlett Johansson pasando por Norah Jones, Bon Jovi, Celine Dion, Bryan Adams, Sheryl Crow, Bob y Jakob Dylan, Cyndi Lauper, Slash y la lista sigue interminablemente.

Barack Obama habría anunciado con su enorme sonrisa que si ganaba las elecciones llevaría a la Casa Blanca música negra. Su lista de canciones predilectas son básicamente del soul y el funk pero junto a la generación de Marvin Gaye, Isaac Hayes o Sly Stone, también suma a los precursores del orgullo negro de los 50, los grandes del Jazz: Miles Davis y John Coltrane.

Todos deseamos que inspirado en el ritmo de la música negra el nuevo presidente estadounidense haga un gobierno justo, humanitario y alejado de las guerras. De la afinación de sus decisiones depende mucho el equilibrio y la armonía de toda la humanidad.

Para Good News
Martes 2, Diciembre 2008

Amy & Duffy

2008-12-03T14:48:00.000-08:00

Las damas blancas de la música negra

Por Pablo Candi

¿Blancas o Negras? Preguntábamos al comenzar una partida de ajedrez. Y si la respuesta alguna vez fue importante, ya no lo es.
Durante años los géneros musicales también se dividieron por razas. La música negra era hecha por negros, la música blanca por blancos. Pero fue el público el que comenzó a generar el cambio, la apertura tan necesaria, y los géneros de música blanca comenzaron a incluir músicos negros, y la música negra admitir artistas blancos.
Hay sobrados ejemplos: en el Rock, predominantemente blanco, sorprendió la aparición del gran Jimi Hendrix a fines de los 60’s, o los Living Colour en los 80’s; Tracy Chapman, o más recientemente Ben Harper, en la música Country; los Beastie Boys o Eminem, en el Hip Hop; Joss Stone, Norah Jones y las actuales Amy Winehouse y Duffy, en el Rhythm and Blues y el Soul.

Aimee Anne Duffy, o simplemente Duffy, es una galesa de tan solo 24 años que comenzó cantando Jazz y Blues hasta que en 2007 grabó varios temas del que luego sería su disco debut. El 3 de marzo salió oficialmente su primer álbum titulado “Rockferry”, y el tema “Mercy” se convirtió en número 1 de descargas en toda Europa. “Rockferry” lleva vendidos más de 4.000.000 de copias.
Por su parte, la rebelde cantante inglesa Amy Jade Winehouse se crió escuchando Jazz y a los 10 años ya tenía una banda de Hip Hop.
Su álbum debut, “Frank”, del 2003, fue nominado a los Premios Mercury Music y ganó un Premio Ivor Novello en 2004 por su single “Stronger Than Me”. Sin embargo es con su segundo trabajo, de 2006, con el que se destaca notablemente. El sugerente nombre de su último disco, “Back to Black”, lleva a Amy a las raíces del R&B y el Soul, rescatando lo más puro de estos ritmos. El resultado es evidente: Se convierte en la gran ganadora de los Premios Grammy 2008, llevándose cinco de los seis premios a los que estaba nominada, entre ellos: Mejor Nueva Artista, Grabación del Año, Canción del Año, Mejor interpretación femenina por “Rehab”, y Mejor álbum por “Back to Black” del que lleva vendidas más de 10.000.000 de copias en todo el mundo.

Cuando saludablemente los estadounidenses eligen por primera vez su historia un presidente negro, las británicas Amy y Duffy, se convierten en las nuevas damas blancas de la música negra.

Para Good News
Noviembre 2008.

"Obras y Hombres"

2008-11-19T18:11:00.000-08:00

Por fin sale al aire la serie de documentales "Obras y Hombres", idea original, guión, dirección y edición de Pablo Candi, el propio, un servidor como decían antes... La producción y el grupo de trabajo, a cargo de Garabato Animaciones.
Estos documentales buscan, esencialmente, rescatar las obras y los hombres que hicieron grandes cosas por nuestra provincia y país. ¡Para que no tengamos que buscar ejemplos siempre afuera! ¡Somos nuestro propio ejemplo!

Los Jueves a las 22hs. por Canal 10 (SRT) de Córdoba.

Black Music

2008-11-12T17:08:00.000-08:00

por Pablo Candi

No hay como probar que la música nació en el continente africano, accidentalmente, cuando habitantes originarios percutían rítmicamente el tronco hueco de un árbol. Pero es claramente comprobable que descendientes de éstos, llevados por la fuerza como esclavos hacia el continente americano, luego revolucionarían la música con la creación de una serie de géneros de evidente influencia en la cultura mundial del pasado siglo XX y lo que va del XXI. La llamada “Black Music”, que reúne géneros tan disímiles como unificados por características en común, nace con la llegada de los primeros africanos a las colonias de Virginia, en América del Norte, allá por el 1619. Se desarrolla a partir de los cantos con que los esclavos mitigaban el sufrimiento del trabajo forzado, y que combinado con la imposición del cristianismo y el idioma inglés acaba derivando en los Negro Espirituals, base del Gospel. La palabra Gospel es una derivación de “godspell”, palabra o llamada de Dios. Sintetiza la esencia fundamental de los comienzos de la música negra en América, el desconsuelo, la angustia, el pedido a Dios por clemencia.Pero la clemencia no llegaría rápidamente a la sufrida raza negra de América. Y esa misma inclemencia daría origen al blues, que en su traducción literal significa “tristezas”. A su vez, del blues derivarían otros géneros como el Rhythm & Blues, el Ragtime o el Bluegrass, hasta dar origen al Jazz, sin dudas el género musical más influyente del siglo XX. Del religioso Gospel y el desenfrenado Rhythm & Blues nace el Soul y con él los primeros reconocimientos por parte de la racista mayoría blanca a la atrapante música negra. En los Estados Unidos de los 50’s comienzan a ser aceptados músicos como Ray Charles y James Brown. Algunas compañías discográficas aceptan el desafío y por las radios se comienza a escuchar la música frenética de Otis Redding, o el ritmo contagiante de Wilson Pickett. Cuando en los 60’s Aretha Franklin clama “Respect", ya son pocos los traseros blancos que logran resistirse al ritmo con que los negros hacen música desde el “alma”. Luego llega el tiempo de The Supremes, de Stevie Wonder, de Marvin Gaye, y de grupos como Sly & The Family Stone o The Meters, que comienzan a fortalecer la natural suavidad del soul, siguiendo la dureza con que la política norteamericana trataba a sus mejores hombres, como Marthin Luther King. De este endurecimiento del Soul nace el Funk en los 70’s, con el bajo a la cabeza, el pedal clavado en el Wah Wah, el efecto Flanger, y las ropas coloridas. Y después, desde el Bronx, Queens y Brooklyn, los barrios pobres de Nueva York, se crea el género de la “Black Music” que vengaría a todos los que lo precedieron: El Hip Hop.Nacido en el corazón de las fiestas callejeras que los negros y latinos debían improvisar para divertirse, el Hip Hop surge de la técnica con que los Dj’s aislaban y extendían la percusión de los temas originales de funk y soul, haciendo las canciones más bailables. El ritmo del Hip Hop se complementa con la figura del MC, el Maestro de Ceremonias, que al comienzo presentaba al Dj y que poco a poco va adquiriendo más importancia, recitando sobre los beats con improvisaciones sumamente ingeniosas. De la danza nacen los B-Boys y B-Girls y con el arte callejero del Graffiti se completan los cuatro elementos de la cultura Hip Hop. La acidez política de las letras terminan por popularizar al género, que vive muchas modificaciones y subdivisiones, pero que nunca decae en su asenso vertiginoso en las décadas siguientes. Actualmente, y desde hace más de diez años, ocupa los primeros puestos de los charts de música del mundo.El Hip Hop es el caballito de batalla de la Black Music, que ha ganado sus luchas contra el tiempo, la moda, y la banalización comercial. Vuelve una y mil veces a las raíces que le dieron origen, rescatando a los demás géneros de los que se nutre y a su vez revitaliza. Jazz, Soul, Funk, R&B: ¡Black Music! Cuando la escuchas tu pié comienza a marcar el ritmo involuntariamente y tenés que hacer un esfuerzo para que el resto del cuerpo no lo siga.

Nota para Good News (Johnny B. Good) Pablo Candi. Septiembre 2008.

Música:

amy winehouse - back to black

Semana Primaveral

2008-09-17T19:33:00.000-07:00

Se viene la semanita primaverosa y por Juancito Sé Bueno voy a estar musicalizando con el estilo Power Flower, Janis Joplin, The Mamas and The Papas, Simon and Garfunkel, y cosas así, setentosas... comen algo, toman algo, y escuchan música con videos.

2008-09-02T18:07:00.000-07:00

On Route Festival 2007

2008-09-02T17:45:00.000-07:00

Pau llueve

2008-02-27T08:18:00.001-08:00

Vj Pau Candi - La Petit Cascade (Music by René Aubry)

2008-02-09T14:35:00.000-08:00

Vj Pau Candi Present Jason Jollins

2007-12-03T07:56:00.000-08:00

On Route Festival 2007

Vj Pau Candi Present Ricky Ryan

2007-12-01T11:13:00.000-08:00

On Route Festival 2007

Vj Pau Candi Present Edu Vazquez

2007-11-29T17:42:00.000-08:00

On Route Festival 2007

Vj Pau Candi Present Dj Shap

2007-11-29T15:43:00.000-08:00

On Route Festival 2007.

Malcolm X and The Roots - Words from The Frontlines (Dj Pau Candi Remix)

2007-11-07T15:56:00.000-08:00

Saul Williams & R.A.T.M - Pledge of Resistance (Dj Pau Candi Remix)

2007-11-06T15:06:00.000-08:00

2007-11-06T14:42:00.000-08:00

Subcomandante Marcos & The Game - Xochimilco 2001 (Dj Pau Candi Remix)

2007-11-06T09:11:00.000-08:00

Che Guevara - 1964 (Dj Pau Candi Remix)

2007-11-06T08:52:00.000-08:00

On Route Festival 2006: Vj Pau Candi

2007-11-06T07:12:00.000-08:00

On Route Festival 2006, por Vj Pau Candi

2007-11-06T07:02:00.001-08:00

On Route festival 2006, por Vj Pau Candi

2007-11-05T16:31:00.000-08:00

Pau Candi

Mi último videoclip...

The Foreign Exchange

Arboricidio

Aloe Blacc

Rollins Band - Liar (Vj Pau Candi Remix)

Sol Pereyra - Te Fuiste (videoclip)

Jazz Argentino

Layo & Bushwacka

Como Trompada

Sol Pereyra - Te Fuiste (En vivo)

El Ritmo Perfecto

Entrevista a Marcelo D2 (para Infrarrojo)

¿Puede?

Led 'Fuckin Best Rock and Roll Band' Zeppelin - American Zeitgeist (Dj Pau Candi Remix) Part 1

Al Ritmo de Barack Obama

Amy & Duffy

"Obras y Hombres"

Black Music

Semana Primaveral

On Route Festival 2007

Pau llueve

Vj Pau Candi - La Petit Cascade (Music by René Aubry)

Lo Más Lindo Del On Route Festival 2007

Lo Más Lindo Del On Route Festival 2007

Vj Pau Candi Present Jason Jollins

Vj Pau Candi Present Ricky Ryan

Vj Pau Candi Present Edu Vazquez

Vj Pau Candi Present Dj Shap

Malcolm X and The Roots - Words from The Frontlines (Dj Pau Candi Remix)

Saul Williams & R.A.T.M - Pledge of Resistance (Dj Pau Candi Remix)

Subcomandante Marcos & The Game - Xochimilco 2001 (Dj Pau Candi Remix)

Che Guevara - 1964 (Dj Pau Candi Remix)

On Route Festival 2006: Vj Pau Candi

On Route Festival 2006, por Vj Pau Candi

On Route festival 2006, por Vj Pau Candi